Café avec Aurore Patrolin : le design graphique au CRJ

Aurore Patrolin, fraichement diplômée en design graphique, est actuellement stagiaire en graphisme et communication au Centre de Recherche sur le Japon,1 et au service communication de l’EHESS. Elle nous parle de son parcours et de son rapport au Japon.

Entretien réalisé par Nathalie Rémond

Pourrais-tu te présenter ?

Je m’appelle Aurore Patrolin, je viens de Toulouse, et je suis actuellement en stage au CRJ. J’ai fait une haute École d’Art et de Design à Pau où je viens d’obtenir mon Master en Design « Image Édition et Dessin de caractères », plus accès Print. Cela fait 10 ans que j’ai une passion pour le Japon, où j’ai déjà voyagé plusieurs fois. J’y prends à chaque fois énormément de photos et ramène le plus de choses possibles pour mes collections. J’y suis devenue d’autant plus sensible quand j’ai intégré mon école de Design.

 

 

 

Pourrais-tu nous parler de tes projets en Design ? et de ton attirance esthétique pour le Japon ?

En Licence, j’ai fait un document écrit sur le packaging au Japon. Au cours de mes voyages, j’ai récupéré pas mal d’emballages qui attiraient mon attention. Je voulais absolument éviter le poncif « entre tradition et modernité », et apporter un axe de comparaison en ayant pour référence le livre « How to Wrap Five Eggs » d’Oka Hideyuki.

 

Il est intéressant de voir avec quelle simplicité et en même temps complexité (œufs, sardines), et avec des matériaux simples (paille, feuilles d’arbre) ils peuvent effectuer cela. Le « Tsutsumi » est la manière d’emballer les choses, et il y a une symbolique très importante autour de ça, même dans son kanji « 包 ». L’idée de l’emballage est aussi importante que le contenu. Même certains arbres sacrés dans les temples shinto sont entourés d’une corde, similaire à la manière dont les choses sont emballées dans ce livre : la corde qui emballe l’objet pour le rendre sacré. Le packaging contemporain a suivi l’évolution du Japon, avec le développement des années 50, et l’influence des États-Unis, où on est passé de quelque chose de simple et de minimale à quelque chose de plus industriel. D’un côté la pop culture est très colorée, les packagings de DonQuijote populaire à outrance, face à d’autres enseignes plus luxueuses où les emballages restent neutres et minimalistes (pâtisseries, produits de salle de bain, artisanat…). J’ai aussi fait des entretiens pour savoir ce que les Japonais pensaient de leur packaging, et ils ne se rendaient pas compte de ce qui les entourait, c’est dans leur quotidien.

 

En parallèle de ça, mon projet pratique de diplôme était un livre sur les plaques d’égout japonaises, avant même le renouveau de cette mode. En voyageant, j’ai collectionné des photos de plaques d’égout, et je voulais en faire une typologie qui ne soit pas juste un recueil, mais avec aussi une analyse de leur signification, de leurs motifs, leur rapport avec les croyances et la culture de chaque ville. J’avais déjà comme idée de développer un projet d’application mobile s’appelant « Graphic Safari in Japan », une application collaborative où tout le monde pourrait ajouter du contenu (comme les Space Invaders). L’idée était de voyager autrement dans la ville, avec un œil de designer, mais aussi un œil que tout le monde peut se créer en affinant son regard, en regardant le sol, les murs…

Puis en Master, j’ai écrit un mémoire sur les guides de voyages papier dont j’avais eu l’idée avant le Covid. Je voulais vraiment analyser les guides de manière poussée, mais je me suis heurtée à la pandémie, et c’était devenu compliqué de parler de voyage. Déjà, il n’y a pas beaucoup d’écrits sur les guides de voyages car c’est considéré grand-public, et n’a pas forcément au départ un intérêt pour les designers. J’ai donc dû penser aux choses différemment et me suis intéressée aux guides de voyages contemporains, et à cette nouvelle forme que sont les « city guide ». Les sujets y sont plus pointus et plus originaux, moins des « bibles » avec énormément de contenu et une mise en page brute et dure à regarder. De plus en plus, on a des photographies et un meilleur papier (par exemple, les guides de luxe « Louis Vuitton City Guide » qui ont une charte graphique et une mise en page originale, ou les « Wallpaper* City Guides »). J’ai également pu faire des entretiens avec des auteurs et designers de guides qui ont vraiment enrichi mes recherches.

Après avoir écrit ce mémoire, j’ai voulu réaliser un guide hybride sur la ville de Yokohama : suite au Covid, je ne voulais pas faire un guide de voyage uniquement pour aller dans le pays, mais aussi un ouvrage consultable chez soi. D’un côté j’avais beaucoup d’images, ça aurait été un livre de taille assez conséquente avec un « guide de fond » analysant l’historique de la ville, ainsi qu’une partie « entretien avec des locaux ». Il était important pour moi de ne pas avoir que ma vision de Française allant au Japon alors j’avais fait un travail d’interview avec les habitants de Yokohama, ou des personnes qui y passaient pour le travail. Je voulais également éviter ce que je n’aimais pas dans les guides de voyages : aller d’un endroit touristique à un autre, en oubliant ce qu’il y a entre, alors que les locaux déambulant d’un point-A à un point-B passent par des lieux intéressants, dans une logique de continuité, J’ai fait trois itinéraires : un de jour, de nuit, et pour la pluie. Mais quand on part voyager dans la ville, ce n’est pas pratique d’avoir un gros bouquin. Jumelé à ce livre, j’ai donc développé un prototype d’application mobile avec un système de QR code qui permettait en amont de pouvoir se préparer sur son téléphone en laissant le livre à l’hôtel, scanner les lieux qu’on veut, et avoir son itinéraire mobile, avec une plus grande liberté de mouvement.

La photographie semble prendre une grande part de ton travail ?

C’est quelque chose de familial, mon père étant photographe. Et l’on peut voir en général que la photographie est pour moi très liée à la pratique du design, ainsi qu’à ma passion pour le Japon, c’est comme ça que j’en suis venue à faire de la photo de rue. Ma vision de la ville se basant sur le vernaculaire, et pas que sur le côté global, j’avais commencé par un blog dès mon premier séjour, qui a été un carnet de voyage, me permettant à la fois de faire de la photo et d’essayer de rendre compte par écrit du ressenti, et des rencontres que je pouvais faire.

J’ai également été influencée par le mouvement PROVOKE et Moriyama Daido, qui m’ont fait un déclic sur la façon de prendre des photos, qui allait à l’encontre du journalisme, à l’époque de Mai 68. Plus récemment, il y a Ninagawa Mika qui a une esthétique incroyable, mais aussi la jeune génération de « street photographer » assez active sur Instagram.

 

Comment t’es venue cette autre passion pour l’édition ? Et quel avenir donnes-tu aux supports physiques en termes de communication ? Quel rapport de nos jours entre papier et écran ?

Quand je suis arrivée à l’école à Pau, je savais que je voulais plus aller vers le Design que vers l’Art, notamment après avoir vu une exposition au Bel Ordinaire, un lieu reconnu du Design en France qui donne sa place au musée à la jeune discipline qu’est le design graphique. Dans cette exposition appelée « Volume », sur les livres produits par des designers graphiques, j’ai été subjuguée par le travail d’Irma Boom, rapprochant l’objet-livre de l’œuvre d’art, que l’on peut consulter et toucher. Contrairement aux musées, les objets de design sont faits pour être manipulés, surtout les objets d’éditions.

Mon intérêt pour la reliure, s’est développé lors de mon Erasmus à Bruxelles à la Cambre, qui avait un atelier de paper design, où l’on forme vraiment des gens à la reliure artistique, ou à la restauration de livres d’art ou anciens. Et on y apprend des techniques, le travail de l’imprimeur, des gestes pratiques de savoir-faire, les types de reliure, les prix… Ce sont des gens avec qui l’on va travailler toute notre vie, le fait d’avoir vu comment ils faisaient, et d’avoir dû le faire soi-même, permet d’arriver dans une imprimerie ou chez un relieur en ne sachant pas absolument rien.

Pour le design graphique, le magazine de référence au Japon est « IDEA ». Puis récemment, le numéro Spécial Japon des Editions B42 a retracé l’histoire du design du livre au Japon et son évolution, avec l’article de Christophe Marquet « Le livre imprimé de l’époque Edo : l’âge d’or de l’édition japonaise » qui permet d’avoir une vision moderne de la place du livre dans la société, ou « Réflexion sur le design au Japon moderne » par Nijima Minoru. En design, on ne peut pas produire un visuel, sans s’y connaître un peu, et on a donc besoin de théories et d’histoire pour comprendre pourquoi on est arrivé là.

Le multimédia est très intéressant et innovant, mais le print reste important pour ses qualités tangibles. Il faut prendre le bon côté des deux. Ainsi, pour plusieurs projets, j’ai travaillé sur des applications mobiles jumelées aux livres : il ne faut pas que l’un remplace l’autre, les deux sont complémentaires. Par exemple, les mises à jour fréquentes qui entraînent des réimpressions des guides de voyages tous les ans sont coûteuses : j’avais pris le parti dans le livre sur Yokohama de ne mettre aucune information pratique sur le papier, mais qu’il y figure des renvois vers des QR codes qui eux sont mis à jour automatiquement (des lieux peuvent disparaître, des horaires changer…). Il faut donc pour moi une manière de faire cohabiter les deux. Et l’application mobile permet aussi vraiment d’être pratique, de se balader juste avec son téléphone, et avoir des choses super comme la géolocalisation en temps réel.

 

Ton style semble mélanger minimalisme et nouveauté.

Mon style épuré est en partie lié à mon intérêt pour le Japon, et le « Wabisabi » est une bonne porte d’entrée sur l’esthétique japonaise, comme on peut l’étudier dans « L’éloge de l’ombre » mais aussi dans « White » de Kenya Ara, pour comprendre cet aspect minimaliste, simple et sans trop d’artifice, avec une mise en valeur des choses sans les cacher, et un respect pour l’objet qu’on présente.

Mais d’un autre côté, c’est aussi quelque chose que l’on retrouve assez souvent dans le design au XXIe siècle : on a dépassé la période des années 2000 où l’on mettait de la 3D et des dégradés partout. Il est surtout difficile de définir son style en design graphique parce que la plupart du temps, on répond à des commandes et on s’adapte au sujet. On doit se poser les questions de “pour qui ? pour quoi ? comment ? qui va être le destinataire ? » et s’adapter à leur logique avant sa sensibilité. Je m’adapte au contenu, mais dans la forme, j’essaie d’avoir de l’épure, même si pour l’instant, j’ai eu la chance au travers les sujets d’école d’avoir travaillé sur ce que j’aimais.

Quels ont initialement été tes réflexions graphiques sur le Japon ? Comment ta vision a-t-elle évolué à chacun de tes voyages ?

Déjà au départ ce qui m’a attiré, ce sont des détails : les plaques d’égout, les fils électriques dans le ciel que j’ai étrangement trouvé incroyable, alors que d’autres trouvent cela moche… Puis j’ai fait mes études de graphisme, et j’ai pris de plus en plus de photo, dont des photos de rue. Dans le livre sur Yokohama, c’est le fait qu’il y ai des personnages dans des scènes du quotidien qui rendent les choses vivantes, pas des photos d’office de tourisme, avec des monuments « carte postale ». Et mon intérêt a continué de s’axer sur la ville : les plots rouges des travaux, les petites mosaïques carrées des maisons, les inscriptions écrites au sol sur les routes pour la circulation des voitures comme de grandes calligraphies blanches sur le goudron noir, les poubelles qui font des paréidolies (@tokyowatchers) … Quand on apprend à faire du design graphique, on apprend à regarder un peu partout et être attentif. Et ces choses nous interpellent plus au Japon, car on en a moins l’habitude.

Le monde de la recherche en Sciences Humaines et Sociales est une autre manière de voir et réfléchir le Japon : qu’est-ce que tes quelques mois parmi nous pourraient t’apporter ?

Le fait de faire du terrain ! Je ne m’y connaissais pas vraiment en sciences sociales en arrivant ici, mais au fil des discussions, j’en ai appris plus sur la partie de recherche sur le terrain. Au final, même si l’on fait du design graphique, si l’on veut faire quelque chose de logique, il faut faire des entretiens avec des gens. Et c’est encore plus vrai avec le Japon. Il y a des écrits dessus, mais je n’ai pas non plus accès à des bibliothèques, et je n’ai pas appris à chercher comme un chercheur, mais le point commun, c’est d’aller sur le terrain, de voir comme se passe la vie, poser des questions aux gens.

Il y a aussi l’accès aux ressources. Ici les gens parlent et lisent le japonais, ont accès à des archives, à d’autres centres. Pour le projet sur Yokohama j’ai manqué de documentation et n’avais pas accès aux archives, j’ai été très frustrée, j’avais des pistes, mais vite, je ne trouvais plus rien dessus. Je ne devais me baser que sur ce que je trouvais sur internet. J’ai essayé de chercher sur des sites de thèses ou d’articles, on tombe sur des choses intéressantes, mais quand on est extérieur, les bases de données ne sont pas forcément accessibles, et si on ne sait pas comment chercher, c’est plus difficile de trouver. Alors que si j’avais déjà su comment marche la recherche, j’aurais pu avoir plus de contenu et de meilleure qualité. Ce qui m’intéresse, c’est voir comment font les chercheurs.

Comment les recherches académiques et le graphisme pourraient s’interdévelopper ? Y’a-t-il des projets qui t’intéressent dans l’actualité ?

Je pense qu’il y a déjà un lien entre art, design graphique, sciences sociales et le reste, mais les choses qui se créent sont encore nouvelles. Le projet d’ajout de signes japonais à une police de caractère d’André Baldinger présenté en ce moment à l’INALCO est un bon exemple. Pour ce projet de résidence il devait s’intéresser à ce qu’est l’écriture au Japon, comment on y crée une police liée au design. Il y a des choses dans la structure de l’écriture japonaise qui sont liées à la société. Il faut aller dans des bibliothèques se renseigner, voir des exemples de visuels typographiques existants est nécessaire, car ce n’est pas anodin de créer une police de caractères d’un langage qu’on ne maîtrise pas. Ce n’est pas possible de faire cela sans s’intéresser, à la naissance de l’écriture, son fonctionnement grammatical. Quand il se rendait dans une bibliothèque, il lui fallait un interprète pour traduire, ce qui rajoute encore une autre personne à l’équipe. La pluridisciplinarité est très importante. Il faut savoir s’entourer de spécialistes qui maîtrisent le sujet. Pour ce stage, en arrivant ici, je ne m’y connaissais pas spécialement le monde de la recherche, l’EHESS et son fonctionnement… Typiquement pour la charte graphique, je devais essayer de comprendre les enjeux du centre et ce qui le représente, et j’ai dû faire un travail de recherche en arrivant ici avec différentes personnes m’expliquent leurs points de vue. C’est intéressant de faire cette enquête pour comprendre ce que vous faites. Et ça c’est quelque chose de commun avec les chercheurs. Par exemple en design, si on doit faire l’identité d’un musée, on doit apprendre l’histoire du lieu, qui ont été les gens qui y ont participé au fil des années, comment il s’est transformé, qu’est-ce qu’il expose aujourd’hui, qu’elle est l’architecture… Et peut-être que côtoyer des gens qui font ça permet d’être plus pointu dans ses recherches, et de ne pas se lancer sans réfléchir.

Il est intéressant d’essayer d’apporter du design graphique, là où souvent, le style institutionnel est très normé. Le travail du designer est de mettre en lumière des choses en créant des visuels, des polices, des caractères, des couleurs, qui interpellent les gens ! Le fait de le rendre plus dynamique permet que ces recherches ne restent pas dans l’ombre. Par exemple, pour le CRJ, on sait déjà que le Japon est à la mode. Avant, c’était beaucoup de gens qui aimaient les mangas et les animés, mais maintenant, il y en a beaucoup qui s’y intéressent pour autre chose, plus sérieusement, et c’est une opportunité. Au Japon, il y a une culture de l’esthétique qui est importante, comme l’art en France. Donc quand on est dans une recherche théorique sur ce sujet, ça serait vraiment bien de réussir à développer l’aspect esthétique du medium. Souvent, les livres de recherches sont abrupts, sans visuels, il pourrait être intéressant de développer des livres plus sexy, qui donnent plus envie de les lire. Le design peut permettre de rendre plus accessible sans changer le fond. Et comme c’est lié au Japon, de faire une mise en page ayant un lien avec le sujet, où la forme suit le propos.

Comment as-tu créé quelque chose pour le CRJ, devant faire japonais, tout en évitant l’écueil de la caricature du Japon ?

Je trouve qu’on a toujours les mêmes images et photos. Alors que ce que j’aime bien, c’est la ville, les lumières, les gens qui se baladent, et les petits détails dans la rue. On n’oublie pas qu’on veut que ça touche des gens qui ne sont pas forcément très érudits sur le Japon, mais on peut utiliser des codes en essayant un petit peu de les contourner, d’apporter autre chose. Il ne faut pas s’intéresser au design occidental qui veut faire japonais. Si sur Pinterest on tape “Japan design”, on va trouver des brush de pinceau ou de bambou et toutes les polices qui imitent du japonais… Si l’on demande à n’importe qui n’y connaissant rien, on aurait « sushi-geisha-sakura-Hello Kitty » comme des symboles beaucoup trop reconnaissables par tout le monde. Le Japon, ce n’est pas que ça, même pour le commun des mortels, je pense qu’il y a des choses qui inconsciemment peuvent faire penser au Japon, sans que ce soit des clichés. Ce qui est important alors, c’est de regarder beaucoup de design japonais pour voir ce que les Japonais font comme design pour eux-mêmes, parce qu’ils s’en fichent que ça ait l’air japonais. Le design japonais n’a pas l’air japonais, il l’est intrinsèquement.

Que pouvons-nous te souhaiter pour la suite ?

L’expérience ici est très enrichissante, et j’ai aimé me frotter à un monde auquel je n’avais pas l’habitude et pourtant très lié à ce que j’aime, pour avoir d’autres visions sur le Japon. Même si je n’ai pas encore assisté à beaucoup de séminaires, ça me permettra de découvrir des choses auxquelles je n’aurais sûrement jamais pensé avant, et nourrir mes réflexions. Puis j’aimerais réussir à partir au Japon, faire une bonne école de langue et travailler là-bas en tant que designer. Je voulais prendre un visa étudiant pour l’année scolaire d’Avril 2022, mais c’est compliqué avec les frontières fermées et tout est un peu décalé. Après mes études, et après le Covid, c’est le moment, je n’ai pas d’excuse.

Vous pouvez découvrir ses travaux sur son site : https://aurorepatrolin.cargo.site/
ainsi que ses photos : @aurore_hinode

  1. https://carnetsjapon.hypotheses.org/20102 []

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